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Gracias al alumnado del IES María Soliño por sus imágenes y video-creaciones compartidas.

Recurso: stop motion now

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El mundo de Fructuoso Gelabert



Documental de Juan Francisco de Lasa en 1968 sobre uno de los pioneros del cine en España. Gelabert asistió a una de las primeras sesiones del cinématographe de los Lumière en Barcelona. Poco después construyó un tomavistas basado en en éste invento. Produjo su primera película, "Dorotea" en 1897 y "Riña en un café" será considerada la primera obra con argumento del cine español. 

Del grafiti al arte transdisciplinar.





Grafitti animado cuadro a cuadro.

La palabra "graffiti" o grafiti deriva de la palabra griega graphein que significa escribir y del término del latín graffito. Graffiti es la forma plural de graffito.
La historia moderna de graffiti se remonta a los años 60 en Nueva York, influído por la música hip-hop. Los primeros artistas de graffiti se dedicaban a dibujar sus firmas.
Uno de los primeras artistas de graffiti firmaba TAKI 183 (los grafiteros asignaban un número al nombre que habían escogido generalmente reflejando la numeración de la calle en la que los autores vivían) y fue entrevistado por el New York Times en 1971. Su nombre verdadero era Demetrius y era un joven griego que trabajaba como mensajero en Nueva York. Pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes. Se hizo famoso y muchos jóvenes empezaron a imitarle y a buscar sitios cada vez más difíciles y llamativos donde dejar su firma.



En los black books o cuadernos negros y antes de intentar pintar en los trenes, los escritores desarrollaban su estilo practicando en blocks de dibujo, en las paredes de su barrio, o sentados mirando y comentando las obras pintadas en los trenes que pasaban,  como los pintados por Clif159.

En la primavera de 1943 durante la Segunda Guerra Mundial,se vió por primera vez el grafiti: Kilroy Was Here ("Kilroy estuvo aquí"). Por varios paises volvieron a encontrar una y otra vez este grafiti. Nunca se supo nada sobre el autor, se cree que pertenecía a una unidad de Ohio. Después de la guerra, el nombre «Kilroy» se hizo sinónimo de grafito, y llegó a aparecer incluso sobre las cubiertas de los cuadernos de estudiantes.

En la Roma imperial era común encontrar manifestaciones espontaneas y de escritura ocasional sobre muros y columnas, esgrafiadas o pintadas. Se han encontrado inscripciones en latín vulgarconsignas políticasinsultos, declaraciones de amor, etc... junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos.




english tutorial



Alex G. mientras cursaba el bachillerato de artes en nuestro centro realizó esta canción y video para la asignatura de técnicas de expresión gráfico-plásticas contandonos las características de esta herramienta.
Recomendamos solicitar permisos dado que son muchas las personas que aprecian esta forma de expresión artística pero muchas otras sus detractoras. Las leyes al respecto son bastante concisas y generalizadas.




Aunque existen precedentes, a partir de finales de los años ochenta y en especial en los años noventa se fueron adoptando nuevas técnicas como la aplicación de aerosol con plantillas, y el pegado de carteles o pegatinas. Parte del trabajo artístico se hacía en casa o en el taller para reducir el tiempo que el artista estaba expuesto a ser detectado.

Obra transdisciplinar de SUSO33

SUSO33 (Madrid, 1973) Actual figura internacional del arte urbano, es un reconocido creador, que partiendo del Street Art, lo ha desbordado para desplegar a lo largo de tres décadas una obra transdisciplinar que se expresa en: pintura, acción, vídeo y artes escénicas.




Espectador crítico. Analizar una película.




1 Título y Ficha técnica

2 Sinopsis.

3.Análisis argumental.

  * Estructura.
·         Puntos de giro.
·         Temas que trata.
·         Trama principal o argumento.
·         Trama profunda o conflictos internos.
·         Mensaje o valores que trata de transmitir.

4.Análisis técnico.

·         Tipo de montaje.
·         Ritmo.
·         Tipo de fotografía.
·         Empleo del sonido.
·         Uso informático.
·         Dirección artística (ambientación, vestuario, escenarios).
·          
5. Análisis de lenguaje cinematográfico:

De la película que has visto nombra y explica algunos:
  • Tipos de planos
  • Movimientos de cámara
  • Valora la interpretación de los actores. Describe qué te ha parecido
  • Comenta la música que más te ha gustado. Si puedes conseguir la banda sonora, escúchala.
  • Describe las técnicas de montaje utilizadas.
6. Análisis de los valores que se presentan.
  • Haz un juicio sobre el argumento, sobre los aspectos sociales positivos y negativos.
  • ¿Cómo actúan los personajes?.
  • ¿Qué cambiarías de sus actuaciones?
7. Análisis de la estética de la película.
  • Valora si está bien expresada la idea central
  • Si la narración es correcta
  • Si la estructura musical es adecuada.
  •  trucos y efectos especiales. Documéntate o imagínate cómo se han podido lograr.
8. Análisis del género al que pertenece la película.
  • Haz una lista de películas del mismo género.
  • Compáralas con la que has elegido.
  • Enjuicia sus semejanzas y diferencias.
9. Analizar el mensaje de la película.

En una película, se llama «mensaje», a la idea o ideas que a través de los diálogos, de la
narrativa cinematográfica, de la música, se supone que los responsables-emisores de la película han querido trasmitir a los espectadores-receptores.
1. Toma como punto de partida una película.2. Reflexiona sobre las ideas principales.
3. Haz un mapa conceptual, o un gráfico, en el que se refleje el contenido temático de la película. Normalmente puede haber varias historias paralelas que confluyen en ciertos momentos. Lo verás mejor si haces el gráfico.
4. Elige la idea central que se pretende transmitir.
5. Expresa cómo han influido, reforzando o limitando, los elementos técnicos (encuadres, planos, música…), para presentar mejor o peor la idea central.

6. ¿Te ha influido en algo la película? ¿Te ha enseñado algo? ¿Tiene que ver la película con algún contenido de tus estudios o de tu vida familiar o privada? ¿Te ves reflejado en algún personaje de la película? En todos los casos, razona y explica tu respuesta.

Diferencias entre plano, escena, secuencia y toma.






Estos cuatro términos se refieren a diferentes fracciones de tiempo. La unión de estos elementos narrativos dará lugar a un producto final audiovisual. 

El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual. Se trata de la acción grabada desde un punto de vista concreto y con un encuadre específico. La sucesión de éstos y la forma de mostrarse será algo que influirá directamente en el ritmo de la película. Por ello, en momentos dramáticos y de reflexión suelen usar primeros planos de gran duración, mientras que durante una acción es habitual ver una sucesión muy acelerada de éstos para transmitir toda la tensión y ritmo que acompaña a ese instante.
El plano tiene diferente significado dependiendo de a quién preguntemos. Mientras que un director de fotografía puede asociarlo sólo con el encuadre (el espacio), un montador se refiere a la acción transcurrida entre dos cortes durante el montaje (al tiempo).
El plano secuencia se refiere al tiempo y no al encuadre. La escena no está contada uniendo pequeños fragmentos de planos, sino que la cámara sigue a los personajes durante toda la acción sin (aparentemente) parar de grabar.

Escena es una unidad de acción, delimitada por el espacio y el tiempo. Así, cuando cambien de lugar o se produzca una alteración en el tiempo (un flashback o un flashforward por ejemplo), el lenguaje audiovisual nos estará indicando un diferente punto narrativo y, por tanto, el cambio de escena.
Una escena no podría existir si ésta no estuviese compuesta por diferentes planos (con la excepción del plano fijo o el plano secuencia). 
La escena se compone de diferentes planos y secuencias que dan lugar a un conjunto. 


La secuencia sería equiparable al capítulo de un libro. Es la división de una historia que posee un sentido completo. Es decir, que una misma idea está vinculada o conectada por diferentes escenas. Al contrario que ocurre con la escena, la secuencia sí que suele tener sentido como unidad independiente y está dotada de un principio con un final. 



Toma es el momento desde que se comienza a grabar hasta que se termina. Empieza cuando el director indica “acción” y hasta que finaliza. Por ello se dividen en tomas los diferentes intentos para conseguir una escena. Más tarde, todas esas tomas serán valoradas por el director para determinar cuál de ellas es la más adecuada para el montaje final.

Por lo tanto, la escena está formada por diferentes planos. Éstos son la unidad mínima en el rodaje. Una secuencia tiene un principio y un fin hasta lograr un objetivo y por lo tanto se compone de escenas. Y por último, para hacer cada escena se han realizado diferentes tomas y en la postproducción se decide cuáles son aptas para incluirlas en la edición definitiva.

Tiempo, Orden y Frecuencia.




La analepsis ("flashback", en inglés) es una técnica que altera la secuencia cronológica de la historia y nos traslada hacia el pasado. Se utiliza muchas veces cuando un personaje comienza a recordar algo que le sucedió o cuando se retrocede en el tiempo de la narración.

La prolepsis ("flashforward", en inglés) es un recurso narrativo que se utiliza para anticipar una acción o para realizar una pausa en el presente y narrar un acontecimiento que tiene lugar en el futuro. En el cine esta técnica se lleva a cabo a partir de una modificación de la línea de tiempo narrativa en el montaje. La acción salta al futuro.

Realiza un esquema ramificado de los conceptos tiempo, orden y frecuencia con la app mindomo anotando los conceptos que se tratan en el siguiente video:

El guión.



El guión es un documento de texto que informa, explica o indica de manera clara los diálogos, personajes, planos, secuencias o escenas y acciones que se producen entre los personajes. La relación de acontecimientos, descripciones del entorno y acotaciones breves para describir la emociones de los personajes. No especifica pormenores de producción ni el trabajo de cámara que se incluirán en el guión técnico.

Ejemplo de documentos para un guión de un corto escolar: https://drive.google.com/drive/folders/0BzXeJuyBanFRY1k4bFVXSklGSlU?docId=0BzXeJuyBanFRRHlFMXRONXE1cDA (acceder con vuestra cuenta de google drive) Ejemplo de argumento, sinopsis, tratamiento, personajes, escaleta y guión en el mismo documento: https://docs.google.com/document/d/1bUFLnG8q7azuqSdDQ0p72M5--4vP4V_vNCQXEuqNU78/edit


El guión gráfico o storyboard realizado con dibujos por viñetas o secuencialmente sirve como guía para los miembros del equipo clarificando visualmente los encuadres y ángulos de visión antes de grabar las secuencias.





 Algunos ejemplos de guión escolares

Ejemplos de guiones profesionales


videos:


Fernando Cámara relata unos ingredientes fundamentales para un buen corto. Además de su recomendación para transmitir emociones con ganas e ilusión aporta unos trucos: La narración debe contener un conflicto, el personaje se definirá en base al conflicto, personaje  + conflicto = historia, la historia debe tener principio y final. Por último se escribirá en un formato de guión estandar. Lo meior para aprender a escribirlos es leer guiones.







Continuidad cinematográfica.


Ejercicio que consiste en la grabación de distintos planos, consiguiendo una sensación de continuidad mediante el montaje. Realizado por alumnos de la escuela de Arte de Algeciras.

 El raccord o continuidad hace referencia a la relación que existe entre las diferentes tomas de una filmación a fin de que no rompan en el receptor la ilusión de continuidad. Cada toma ha de tener relación con la anterior y servir de base para la siguiente. Por lo tanto se debe asegurar: - La continuidad en el espacio: líneas virtuales, dirección de los personajes y de sus gestos y miradas... Por ejemplo, si un personaje sale por un lado del encuadre, en el plano siguiente ha de entrar por el lado contrario.
- La continuidad en el vestuario y en el escenario: ya que como las películas no se registran siguiendo el guión secuencialmente hay que asegurarse de que el vestuario de los personajes y su entorno no cambian sin razón.
- La continuidad en la iluminación: que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro de un mismo espacio y secuencia.
- La continuidad en el tiempo.



1.- LA CONTINUIDAD TEMÁTICA: Es la continuidad de idea. Está basada en las reglas de asociación y comprensión que son innatas en nosotros (lo lógico). Nos invita a que el mensaje sea comprensible.
Para la existencia de Continuidad Temática, ha de existir relaciones formales, es decir, ha de haber unidad de ambiente, coincidencia en las direcciones, relaciones de continuidad de situaciones, etc.

2.- LA CONTINUIDAD PERCEPTIVA: Lógica de la observación que conduce al espectador a que exista un desarrollo sin saltos ni rupturas, aunque existan saltos temporales o espaciales.
Es importante que la cámara sea aceptada por el espectador como un ojo mágico que todo lo ve, porque está en el lugar adecuado siempre.
¿Pero qué ocurre cuando hay un defecto de cámara? Que NO es aceptado por el espectador y deja de existir Continuidad, pero esto lo podemos justificar y conseguir que siga existiendo la continuidad. A esto se le llama ENMASCARAR el defecto de cámara. A veces el defecto de cámara (Ej: Zoom) tiene aún más fuerza al ser justificado y refuerza el mensaje que queremos dar.






¿A qué afecta la Continuidad? 
Afecta a la asimilación entre los elementos presentados respecto a los que nosotros hemos recibido



  • Al ritmo: a veces es necesario usar silencios para poder asimilar la información que estamos recibiendo.

El RACCORD es algo más físico que la Continuidad. Cuando hay una falta de Continuidad entre planos, hay un fallo de Raccord.
Cuando no hay Raccord, no hay mantenimiento; ya que el Raccord es el mantenimiento de los elementos que hay en cuadro, según la lógica de las acciones presentadas. Fuente